« Bienvenue à Gattaca » affiche une simplicité étudiée. C’est dans une succession lente, où seuls changent les cadrages qui passent des corps aux visages pour révéler le processus d’humanisation des relations inter-personnages, que réside la poésie singulière du film, où les êtres expriment leur beauté plastique et leur âme.
De « River of Grass » à « La Dernière Piste », en passant par « Old Joy » et « Wendy et Lucy », analyse croisée du cinéma de Kelly Reichardt et de la littérature américaine sous les thématiques du paysage, du road-movie et de l’utopie.
À l’occasion de la sortie de « The House that Jack built », portrait de Lars von Trier en démiurge pervers maintenant film après film le cap de la contrariété : celle du spectateur, et la sienne propre, jusqu’à la mortification.
Analyse du travail effectué sur la médiation du regard et le cadrage par Rainer Werner Fassbinder dans « Martha » ou « Tous les autres s’appellent Ali ».
Ancré dans une réalité historique avérée, le Labyrinthe de Pan s’articule selon les codes du conte et du merveilleux : retour sur les trois épreuves d’Ofelia et la symbolique du film de Guillermo del Toro, quand le corps féminin se fait territoire de résistance et de renaissance.
Avec Insectes, Jan Švankmajer met images son ultime manifeste pour un cinéma artistique, le legs d’un autre cinéma d’auteur qui se perd : donner forme à une intention qui laisse place au rêve, à l’imagination et à l’artifice, dans le droit fil de la tradition inaugurée par Georges Méliès.
Sans relever une seule seconde du film à thèse, « Le Roman de Werther » de Max Ophüls est une démonstration par les images que le texte de Goethe est tout bonnement incompatible avec l’esprit français.
Exploration des territoires physiques et psychiques construits par Hiroshi Teshigahara dans le désert post-atomique de La Femme des Sables, adaptation du roman éponyme de l’écrivain avant-gardiste Kobo Abe parue sur les écrans en 1964, afin de regagner la liberté.
L’exposition de Nam June Paik, Exposition of Music – Electronic Television, installée dans la galerie Parnass en Allemagne, fut la première manifestation de la vidéo dans un espace d’art. C’était en 1963. Comment cette installation a-t-elle été reprise et déplacée dans les pratiques contemporaines ?
Invisible à l’écran, manipulateur avec ses acteurs, capable de détruire tout ce qui l’entoure pour parvenir à ses fins, Chuck Jones est un Dieu sur un plateau. Tout puissant, il est celui qui donne au film sa ligne directrice, au détriment du pauvre Daffy Duck. Analyse d’un classique du cinéma d’animation.
Avec L’Arbre, le Maire et la Médiathèque ou Les sept hasards, Éric Rohmer met en scène sa conception de l’architecture, mais aussi, en creux, celle du cinéma : « Je préfère le cinéma à tous les autres arts parce qu’il n’a pas un rapport de prédation au paysage ».
Enquête sur les mystères, les règles, la symbolique et les origines de La Bête dans Split à travers une donnée essentielle du cinéma de M. Night Shyamalan : le pacte de croyance conclu avec les spectateurs.
Étude historique consacrée à l’influence de l’Occupation sur les réalisations cinématographiques françaises en général et sur le cinéma de Henri-Georges Clouzot, Jean Delannoy et Marcel Carné en particulier. Retour sur une vitalité inattendue, ou le paradoxe de la parenthèse enchantée.
Koolhaas Houselife d’Ila Bêka et Louise Lemoine, premier film de la série Living architectures, ou les subversions du documentaire d’architecture contemplatif : par la comédie (œuvre maculée), le jeu (œuvre expérimentée) et la sensualité (œuvre hantée).
Analyse croisée de la mise en scène de chasseurs transgressifs dans « Les chasses du comte Zaroff » de Shoedsack et Pichel, sorti en 1932, et « Soudain, l’été dernier » de Mankiewicz, sorti en 1959 : de la figure marquée du comte Zaroff à la défiguration de Sebastian.